Pourquoi et comment maîtriser les étapes de la création d’une photo d’art
La création d’une photographie d’art ne se résume pas à la prise de vue sur le terrain. Ce processus créatif nécessite cinq étapes distinctes que tout auteur photographe doit maîtriser afin de produire des œuvres de qualité.
La première étape de la création d’une photo d’art : la prise de vue
En photographie de nature, les principes de prises de vue sont identifiables et bien connus. La première recommandation que je fais toujours durant mes stages photo est de créer une méthodologie comme je l’avais décrit dans cet article.
L’application d’une méthode rigoureuse permet au photographe de développer sa créativité en évitant les pertes de temps. Il peut se concentrer totalement à ses photographies.
Ensuite, vient le temps de la reconnaissance du terrain, des conditions météo, de la connaissance des habitudes des animaux s’il s’agit de photo animalière. Dans le cas de la photographie sous-marine c’est encore plus compliqué car le temps est limité et les courants peuvent être forts.
Puis c’est le choix du point de vue de la scène. Ensuite, il faut prendre soin du cadrage et de la composition de la photographie.
Lorsqu’on crée une photographie artistique, il ne faut jamais oublier que l’on essaie d’avoir une relation émotionnelle avec les scènes.
Le photographe doit s’impliquer dans la photographie et montrer qu’il est présent derrière le viseur du boîtier. Chaque élément photographique doit être pensé, réfléchi. Chaque élément doit donner un sens à l’image réalisée. Le photographe transmet un message.
Lors de la prise de vue d’une photo de nature, le photographe doit être en fusion avec le monde qui l’entoure. Il doit ressentir la puissance des éléments naturels. Il doit être en harmonie avec tout ce qu’il voit. Un photographe artistique n’est pas présent sur la scène simplement pour documenter mais pour s’exprimer et montrer sa vision du monde.
Durant mes stages photo, je m'arrange toujours pour que les participants oublient leur quotidien et les tracas. J'essaye toujours de les immerger totalement dans l’activité photographique. J'applique cette méthode à moi-même lorsque je crée des photos pour une collection.
Cette étape de la prise de vue nécessite une très grande concentration pour faire abstraction de la vie quotidienne. Seule la scène dans le viseur est importante.
Pour moi, durant l’étape de prise de vue en photographie de paysages, le trépied est un accessoire indispensable. En effet, il permet de modifier les points de vue, les cadrages et les compositions de manière précise et subtile.
Le trépied permet aussi un ajustement des paramètres d’exposition quand une scène est mal exposée, sans avoir à changer le positionnement du boîtier.
Lors de la prise de vue, le photographe utilise des accessoires comme le trépied, un déclencheur à distance, des filtres, un boîtier, des objectifs. Tout ce matériel doit être maîtrisé et parfaitement connu.
Une fois sur le terrain, il est trop tard pour apprendre à s’en servir. Les conditions naturelles changent vite. Tout cet apprentissage doit être fait en amont.
La prise de vue est la première étape de la création d’une photo d'art. Elle est la base du processus créatif. Ne pas la maîtriser est une erreur. Il ne faut jamais oublier qu’une photo ratée restera ratée même avec le post traitement.
La deuxième étape de la création d’une photo d’art : le post traitement
La prise de vue d’une photo artistique de la nature permet de figer une scène qu’elle soit de paysage, animalière ou sous-marine, sur terre ou sous l’eau. Cette scène va servir de support à la transmission d’un message, d’une émotion, des sentiments du photographe.
L’auteur de la photo va utiliser le cadrage et la composition pour obtenir le rendu qu’il a choisi. Le post traitement va lui servir à accomplir deux objectifs :
- Palier aux insuffisances techniques des appareils photo comme la diminution du bruit ou le renforcement de la netteté.
- Renforcer la vision artistique du photographe avec l’ajustement des tonalités, des couleurs, la gestion de la lumière, la suppression d’éventuels éléments perturbateurs.
Le post traitement est essentiel pour créer une belle photographie. Un photographe doit maîtriser toutes les techniques.
Je constate que de plus en plus de photographes font appel à des designers professionnels pour développer leurs photos. C’est devenu monnaie courante. Ils le font soit parce qu’ils ne sont pas compétents en informatique ou soit par manque de temps pour effectuer ces tâches chronophages.
C’est un choix que je comprends mais que je ne partage pas. Je développe moi-même mes images tout en sachant que les résultats seraient encore plus parfaits si je faisais appel à un expert.
Il ne faut pas oublier que des artistes comme Michel Ange, Raphaël ou encore de Vinci avaient à leurs services des étudiants qui peignaient pour eux. Ces artistes se contentaient de mettre la touche finale comme les mains par exemple.
Je pense qu’en photographie artistique, même si le photographe donne des directives précises, le résultat ne sera pas conforme à sa démarche artistique.
Je pense souvent à Ansel Adams, le photographe américain rendu célèbre par ses photographies de paysages, qui passe un temps très long pour développer ses propres images dans son laboratoire. Pour lui c’était une étape personnelle et essentielle à sa créativité.
Un photographe doit apprendre à utiliser les outils qui sont à sa disposition pour mettre en valeur son approche artistique. Ce n’est pas facile mais il faut toujours apprendre et toujours se remettre en cause. Rien n’est jamais gagné. La création de photographies de qualité est un véritable défi.
La troisième étape : l’impression
Une fois qu’une photographie a été réalisée sur le terrain, développée avec un ordinateur, le photographe a mis toute sa créativité dans sa réalisation. Il a en sa possession une image qui correspond à sa démarche artistique.
Mais ce n’est pas encore une œuvre artistique. Il faut maintenant l’imprimer. C’est un travail délicat car le papier doit être choisi avec discernement. La texture doit correspondre au rendu de la photo.
L’impression est un travail très difficile qui nécessite beaucoup de compétences et de connaissances. En ce qui me concerne, je travaille toujours en collaboration avec des tireurs exerçant dans des laboratoires spécialisés.
De nombreux tests sont nécessaires car les résultats varient beaucoup d’un papier à l’autre ou même d’une encre à l’autre.
Lorsque j'imprime des photos, je conserve toujours les fichiers PSD contenant l’ensemble des réglages du développement. Je dois sans cesse revenir sur certains d’entre eux notamment la lumière et le contraste. En fonction du type d’imprimante et du type de papier, les ajustements varient. C’est pour cette raison que j'ai des fichiers numériques en fonction des imprimantes et des laboratoires avec lesquels je travaille.
Pour moi, une photographie n’existe qu’à partir du moment où elle est imprimée. C’est la finalité de mon travail artistique. Les supports numériques ne servent qu’à des buts de communication ou de marketing.
La quatrième étape : l’encadrement
Une fois qu’une photo a été imprimée, elle peut être encadrée. C’est une option qui doit être considérée avec intérêt car pour qu’une œuvre soit mise en valeur, je pense que c’est nécessaire.
Je travaille avec des experts dans ce domaine. Des règles précises existent en fonction des couleurs, des tonalités. De même l’épaisseur du cadre doit être choisi judicieusement. Rien n’est improvisé. Il est indispensable pour un photographe de développer des compétences dans ce domaine.
Finalement
Créer une photographie d’art de la nature ne se résume pas à la prise de vue. Le photographe doit passer par quatre étapes. Il doit développer des compétences pour affirmer et renforcer sa démarche artistique. C’est pour cette raison qu’il faut du temps, beaucoup de travail, de l’énergie et beaucoup d’échecs avant de maîtriser ce domaine artistique si extraordinaire.
Soyez humble, constant(e), patient(e), persévérant(e) et persistant(e) car le chemin pour s’approcher de l’excellence est long.
